Ignacio Uriarte


Biographie

Né en 1972 en Allemagne, Ignacio Uriarte vit et travaille à Berlin depuis 2007. Il a fait des études de commerce à Madrid et a travaillé chez Siemens et Canon en Allemagne, en Espagne et au Mexique. A partir de 1999, il étudie les arts audiovisuels au Mexique, et il se consacre à plein temps à son activité artistique en 2003.

Dans la Collection Meeschaert

Centrifugal est composée de 16 feuilles A4 sur lesquelles un tracé au stylo bille a été réalisé à la règle. Tout d’abord, cette œuvre nous rappelle l’intérêt de l’artiste à réaliser des dessins avec du matériel de bureau : stylo bille, règle, selon la technique du surlignage. Ce travail peut être effectué par n’importe qui dans un bureau ou une salle de conférence. Cela ouvre une nouvelle perspective sur les outils de bureau et les habitudes et révèle le potentiel artistique de chacun. Ensuite l’œuvre montre l’intérêt d’Ignacio Uriarte pour l’ambivalence : entre le hasard et l’ordre, entre l’abstraction et la figuration. Même si chaque dessin est le résultat d’un processus prédéterminé très strict, l’ensemble est organique et peut nous rappeler des faisceaux lumineux. Enfin, l’œuvre représente un tableau de couleurs avec un ordre bien spécifique. Il crée une nouvelle palette dans laquelle les lignes horizontales et verticales sont ordonnées comme cela : vert, rouge, bleu, noir pour créer de nouvelles couleurs. Tous les mix de couleurs sont envisagés, mais la couleur horizontale est toujours dominante.

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Ignacio Uriarte, Centrifugal, 2014, Dessin, Encre sur papier, 42 x 29,7 cm chacun

Style

L’environnement de bureau est l’antithèse de l’atelier de l’artiste. Ignacio Uriarte est marqué dans son travail par sa carrière précédente en administration des affaires, en effet il intègre des matériaux comme le trombone ou les post-it pour se rappeler des actions qu’il effectuait quotidiennement. Ses œuvres nient les lois de la fonctionnalité et de l’efficacité qui régissent la routine des employés dans tous les bureaux du monde.

Thématique : L’abstraction pour sujet

Les premières œuvres d’art abstrait apparaissent au début du XXème siècle et révolutionnent l’histoire de la peinture. Des artistes montrent des formes qui ne représentent pas le monde extérieur. L’abstraction s’oppose à la figuration car elle rompt le lien entre l’œuvre et la réalité. Le triomphe de la couleur, de la forme et l’absence de référent figuratif sont les signes de cette nouvelle liberté dans l’art. Le but est de faire ressentir aux visiteurs l’intensité des œuvres par l’émotion. C’est une attention nouvelle aux matières et à la pénétration de la lumière, cela questionne l’impact des couleurs sur notre univers. Les peintres abstraits sont émus par la simplicité des formes, ils ne sont pas intéressés par la représentation exacte de la nature, ils privilégient le geste et l’espace. La peinture libérée de tout sujet invite à l’imagination et à faire le vide dans un monde saturé d’images. Beaucoup d’historiens s’accordent à dire que l’abstraction est née du travail de deux artistes russes (Kandinsky et Malevitch) et d’un artiste néerlandais (Mondrian). Les peintres expérimentent de nouvelles images et formes, en quête d’un monde intérieur. C’est après l’invention de la photographie en 1839 que certains artistes ont remis en question le besoin de reproduire la réalité puisque la photographie le fait très bien. La couleur et la forme / Le geste et la ligne / La géométrie / L’illusion de la perception / L’émotion et la méditation.